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Branca de Neve toureira e os seis anões na Espanha

Cartaz de BlancanievesPara escrever sobre este filme, precisava escolher uma trilha gótica. Como não quero estragar meu atual estado de espírito (fugindo do inferno astral no mês do meu aniversário rs), resolvi não colocar nada muito dark para tocar. Por isso, estou ao som do primeiro disco dos holandeses do Within Temptation, época em que ainda eram góticos. Acho que vai combinar perfeitamente com o filme de hoje.

A semana em que vi o maravilhoso O Barão foi especialmente proveitosa, pois além dele assisti também o espanhol Blancanieves. Sim, um remake não-remake do clássico conto de fadas dos irmãos Grimm!

A película de Pablo Berger chegou ao Brasil traduzida como Branca de Neve, mas, para evitar confusão com outras versões, aqui adotarei o título original, em espanhol.

Vocês já devem saber que, sempre que vejo novas versões de velhas histórias, tenho cautela. Mas o que me levou a ver Blancanieves é que, primeiramente, as resenhas todas diziam ser uma versão gótica, em preto e branco, muda e ambientada na Espanha das touradas no pós-Primeira Guerra. Tudo bem, vocês vão me dizer que sou louca por filmes pb mudos. Só que podia sair tudo errado, e paguei para ver.

Blancanieves é um filme com uma longa gestação: foram quase dez anos até que o diretor conseguisse financiamento para o seu projeto. Por isso, o resultado teria de ser, no mínimo, aceitável. Ainda bem que é muito mais do que isso.

A história é a seguinte: Carmen de Triana, no mês final de gravidez, assiste a seu marido, o famoso Antonio Villalta, tourear. Apesar de sua habilidade, o toureiro desvia o olhar do último e mais feroz touro e é atingido por ele. Sua esposa entra em trabalho de parto e o homem é levado em estado grave ao hospital. Ela dá à luz Carmencita (sim, a Branca de Neve não é Branca, é Carmem!), mas morre. Ele, por outro lado, sobrevive e fica preso a uma cadeira de rodas. Encarna, a enfermeira responsável por seu cuidado, descobre que Villalta é muito rico. Abalado pela morte da esposa, o toureiro acaba rejeitando a filha, que fica sob a tutela da avó, e é convencido pela interesseira a se casar novamente.

Algumas das cenas mais belas do filme estão nesse período em que Carmencita vive com a avó. A menina herda da mãe o gosto pelo flamenco e, quando dança, a sala de cinema é inundada pelas palmas e pelo violão da música espanhola. O efeito é arrebatador. Encontrei uma amostra da trilha sonora de Alfonso Villallonga no SoundCloud. Vale a pena acessar: https://soundcloud.com/milanrecords/sets/alfonso-villalonga

Bom, mas como em um drama gótico a alegria não dura, a avó morre e Carmencita, já com uns 10 anos, é enviada com o seu galo de estimação para a mansão em que o pai vive infeliz com a ex-enfermeira sadomasoquista (não é metáfora). Encarna é a perfeita madrasta má, e coloca a enteada para trabalhar como empregada, além de fazê-la dormir em um celeiro. Maribel Verdú e seus olhos enormes e expressivos conseguiram transmitir à personagem uma perversão e crueza egoísta escondida sob joias, maquiagem e classe.

A madrasta torna a vida da menina um inferno, especialmente depois que descobre que Carmencita visita o pai frequentemente. Um dia, ao perseguir o galo que sumiu, a garota encontra Villalta na cadeira, sozinho no quarto. Os dois acabam por ficar amigos e o pai lhe ensina técnicas de tourada.

Os seis anõesQuando Carmencita já está mais adulta, Encarna manda o motorista matá-la. Ele não é bem-sucedido, e cinco anões e uma anã (tenho minhas dúvidas sobre seu sexo) de um show mambembe a resgatam e passam a viajar com ela. Não, não há sete anões nesta versão e, ao contrário dos personagens caricatos dos irmãos Grimm e fofos da Disney, os seis do filme mais parecem saídos de algum daqueles freakshows antigos, em que eram exibidas pessoas com deformidades. Na verdade, a apresentação que levam de cidade a cidade tem esse teor, e o mais velho é um toureiro-anão que enfrenta animais menores. O final (que não vou contar) volta a explorar esse aspecto, mas de forma bastante brutal.

Carmencita, agora com amnésia, passa a ser chamada pelos anões de Branca de Neve. Apesar de não se lembrar do próprio nome e ignorar seu passado, as habilidades de toureira da moça afloram, trazendo notabilidade para o grupo. Ela é convidada para tourear na arena em que seu pai se acidentou e, aos poucos, suas memórias começam a voltar. Um amigo de Villalta a reconhece e vai falar com ela. A madrasta se surpreende ao vê-la na arena, viva e aplaudida por todos.

Não contarei o fim, pois ainda dá para ver Blancanieves no único cinema de São Paulo que o exibe, a Reserva Cultural. Só posso dizer que, quando apareceram os créditos na tela, a plateia estava quieta e atônita.

Mesmo sendo em pb, o filme espanhol não é dominado por sombras como O Barão. E diferentemente de O Artista, no qual o contraste entre o som e o silêncio é sempre ressaltado na comparação entre o cinema mudo e o falado, em Blancanieves nos esquecemos que nada mais há do que a trilha sonora. Há telas com algumas falas escritas, mas a expressividade dos atores preenche o espaço deixado pela ausência das vozes humanas.

Para terminar, recomendo acessar o site oficial do filme, http://blancaniev.es/, que é supercaprichado e passa bem o clima de Blancanieves. Dá para ver o teaser na página inicial e conhecer um pouco mais sobre esse drama mudo-pb-gótico.

Ah, a minha trilha sonora para este texto você encontra aqui: http://grooveshark.com/album/Mother+Earth/163244

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Noite de libertinagem

Tem gente que gosta de ópera por causa da música, tem gente que gosta das histórias. Tenho um pouco dos dois tipos em mim, e a escolha desta vez foi pelo enredo.

Rakes Progress

No domingo (16/06), fui ao Theatro Municipal de São Paulo ver The Rake’s Progress. Essa ópera de Stravinsky conta a história de Tom Rakewell, um jovem preguiçoso e apaixonado por Anne Trulove. Um dia, ele recebe a visita de Nick Shadow, que conta que um tio riquíssimo lhe deixou uma herança, a ser recebida em Londres. Tom se separa de Anne com a promessa de buscar a moça e seu pai depois de se instalar na capital inglesa. O que vemos a partir daí é a recorrente história do ingênuo que se afasta do “caminho correto”, entregando-se a excessos. Esse enredo imediatamente me chamou à memória o Fausto de Goethe, que “vende” a alma ao diabo Mefistófeles em troca de conhecimento e prazer.

E bem adequada a escolha dos sobrenomes dos personagens: Anne Trulove simboliza o amor puro. Tom se torna um “rake”, um libertino (tanto que a tradução para o título da obra é A Carreira do Libertino), pelo contato com Nick, uma sombra, figura do mal. Aliás, meu amigo Vismar veio me perguntar se gostei da tradução do título e então disse que ainda não sabia responder. Pois respondo: sim, gostei, pois achei conveniente, apesar de a ópera não exatamente narrar a trajetória de Tom, mas apenas nos mostrar poucos fatos.

Stravinsky teve a ideia para a ópera ao visitar um museu de Chicago, em 1947, onde viu cópias de uma série de quadros do pintor inglês William Hogarth. Eram oito imagens intituladas The Rake’s Progress, que narravam a ascensão e o fracasso de Tom Rakewell. Você pode ver os quadros e suas descrições no site do museu que os abriga, o Soane Museum de Londres (clique aqui para acessar).

A montagem foi belíssima e bem cuidada. Gosto muito da voz de Rosana Lamosa (que fez Anne) e achei que o tenor norte-americano Chad Shelton combinou bastante com o papel de Tom. Agora, destaque total para o baixo Savio Sperandio, que deu voz a Nick Shadow. Incrível a sua presença de palco e sua atuação. Na verdade, ele sempre me surpreende.

Tom Rakewell

Apesar de meu elogio, há algo nas montagens do Jorge Takla que me incomoda um pouco, não no mau sentido. Takla tem criado uma estrutura cênica realmente minimalista, e acredito ser isso o que me tira de minha zona de conforto rs. Porque comecei a assistir óperas ao vivo e em DVD’s com cenografias riquíssimas em detalhes e elementos, e agora me vejo diante de palcos quase vazios, mas tão complexos e carregados de sentidos! Exige-se mais da imaginação da plateia e muita coisa fica nas entrelinhas.

Há momentos tensos do libreto que acabam, na verdade, perdendo parte da sua gravidade pela maestria de Stravinsky e pela própria montagem. Primeiro que Nick convence Tom a se casar com a mulher barbada do circo, Baba, a Turca. E ele o faz. Mais tarde, depois do fracasso de uma máquina que transforma pedras em pães, Tom acaba indo à falência e os objetos que deixa na mansão, ao fugir, são leiloados. O leiloeiro é praticamente um showman.

A coreógrafa Sabrina Mirabelli também fez um belo trabalho com os bailarinos, criando duplos de Anne e Tom que se encontram em alguns momentos da história, apesar dos personagens originais viverem distantes. É como se um não saísse da mente do outro e o amor ainda existisse entre eles.

Vocês já devem ter notado que sou apaixonada mesmo pelas obras dramáticas, com aquele espírito de Romeu e Julieta, nas quais pessoas que se amam (namorados, pais e filhos etc.) são separadas pela morte, por uma injustiça, ou pela burrice de um dos personagens (lembrei-me de Elsa de Brabante em Lohengrin, aquela estúpida hahaha). Pensei em uma frase agora, de Ed Gardner: “Ópera é quando uma pessoa recebe uma punhalada nas costas e, em vez, de sangrar, canta.” OK, é uma definição superficial e quase preconceituosa desse gênero, mas acho muito engraçada, porque resume o que gosto de ver em óperas (calma, sou uma pessoa pacífica). Por isso, gostei de The Rake’s Progress, mas não o bastante para vê-la novamente. Gostaria, sim, de aprender alguma das árias de Anne, que são lindas.

Bem, se tiver curiosidade, no YouTube você encontra diversas montagens, inclusive uma de 1951, esta apenas com o áudio.

(Imagens: Cacilda – Blog de teatro)

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A Visita Cruel do Tempo

Na primeira semana de julho fui a Paraty conferir a 10ª Festa Literária Internacional. Esse ano o homenageado foi o grande Carlos Drummond de Andrade e estavam presentes alguns dos autores internacionais mais comentados. Não resisti à tentação de vê-lo.

Um desses autores é a norte-americana vencedora do Pulitzer Jennifer Egan. O último livro dela lançado no Brasil pela Intrínseca é o A Visita Cruel do Tempo. Já havia visto nas livrarias, mas com toda a falta de tempo em que ultimamente tem se resumido a minha vida, acabei não comprando antes. E me arrependi.

Com a autora na Flip, comprei esse livro e lhe pedi um autógrafo, que ela me deu entre uma mordida e outra de seu sanduíche, pois era uma da tarde e tinha diante de si uma fila imensa de fãs. Chegando em São Paulo, foi o primeiro livro que peguei para ler.

A Viagem Cruel do Tempo é sobre música, pessoas que trabalham direta ou indiretamente com música, sobre o passado recente e o futuro próximo. E a música é tão importante, que a própria Egan contou na Flip que escreveu o livro inteiro ouvindo algumas bandas antigas e outras atuais. Mais para o final, descobrimos algumas das pérolas que fizeram parte da escrita de A Viagem: Young Americans (aquela boa sonoridade gingada do David Bowie), Good Times Bad Times (incrível do Led Zeppellin), The Time of the Season (amo essa do Zombies), Foxey Lady (clááássica do Jimi Hendrix) e Roxanne (tão final dos anos 70 do Police), entre outras.Para fazer jus ao livro, estou ouvindo essas mesmas músicas ao escrever este post.

Os personagens são os mais variados possíveis. Um produtor musical que vive profundamente o estilo “sexo, drogas e rock’n’roll”, uma cleptomaníaca que passou anos vivendo em cortiços em Nápoles, uma RP, cinco adolescentes da década de 70, punks, uma menininha de 9 anos que chama a mãe pelo primeiro nome, um jornalista preso por tentar estuprar uma estrela do cinema, um ditador sanguinário de algum regime oriental. E cada capítulo parece autônomo, pois é dedicado a um personagem, mas, não, não é como a série Game of Thrones, de George R. R. Martin. Em A Viagem, há diversos “protagonistas”, e a alguns é emprestada voz, a outros, um narrador onisciente. No início, você acha que Egan quer traçar um panorama das vidas ligadas à música, mas, no final do livro (sem spoiler), você consegue entender a rede de relações que unem essas personagens aparentemente desconectadas.

Mas descobrimos que o verdadeiro protagonista, no final das contas, é o tempo, que inclusive aparece no título. Ao passar das páginas, vemos o que ele “fez” com as personagens, como levou algumas à decadência (moral, corporal) e outras, à redenção.

Só um adendo: a Intrínseca teve a feliz ideia de chamar o quadrinista Rafael Coutinho para fazer a capa. O trabalho dele ficou incrível, captou com perfeição a ideia do livro, de biografias interpostas, com traços de rostos misturados, e aquele clima meio rock’n’roll de caos visual. Amei.

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